A seed phrase is a series of 12 or 24 randomized words pulled from a 2048 word list, generated by a crypto wallet when it is set up. It acts as the crypto wallet’s unique password aka private key. The seed phrase allows the owner to (re-)gain access to their crypto wallet and to transact the digital assets such as crypto currencies or NFTs it holds. The seed phrase is essentially the key to any user’s sovereign blockchain address, digital possessions and web3 activities. 

This section focuses on the work of artists, creators and platforms who have pioneered the Crypto Art space and who have laid the foundations for new artistic concepts and standards. Their individual works are arranged on three massive wooden turnstile wall structures, creating 12 segments | 24 panels. Each segment holds markers and key works for the Crypto Art movement and each rotation of an enclosure creates a new constellation. By opening up new points of view and interacting in the composition of new framing, visitors can use 24 SEEDERS as the starting point of their own research journey.  Everybody is invited to find their own leads and points of access to this new paradigm in the arts. DYOR!  

— Deutsch —

Im Zentrum der Ausstellung steht eine Installation aus 24 rotierenden Paneelen, die jeweils einer Künstlerin, einem Künstler oder einer Plattform gewidmet sind. 

Ein Seed-Phrase ist eine Reihe von 12 oder 24 zufällig ausgewählten Wörtern aus einer Liste von 2048 Wörtern, die bei der Einrichtung einer Krypto-Wallet generiert werden. Er dient als eindeutiges Passwort für die Krypto-Wallet, auch als privater Schlüssel bezeichnet. Der Seed-Phrase ermöglicht es dem Besitzer, (wieder) Zugang zu seiner Krypto-Wallet zu erhalten und die darin enthaltenen digitalen Vermögenswerte wie Kryptowährungen oder NFTs zu handeln. Der Seed-Phrase ist im Wesentlichen der Schlüssel zur souveränen Blockchain-Adresse, zum digitalen Besitz und zu den Web3-Aktivitäten eines jeden Nutzers. 

Diese Sektion konzentriert sich auf die Arbeit von Kunstschaffenden, Kreativen und Plattformen, die im Bereich der Krypto-Kunst Pionierarbeit geleistet und den Grundstein für neue künstlerische Konzepte und Standards gelegt haben. Ihre individuellen Werke sind auf drei Drehkreuzen mit massiven hölzernen Wandkonstruktionen angeordnet, wodurch 24 Wand-Paneele entstehen. Jedes Segment enthält Markierungspunkte und Schlüsselwerke der Krypto-Kunst-Bewegung, und jede Drehung eines Kreuzes kreiert eine neue Konstellation. Die Besuchenden können 24 SEEDERS als Ausgangspunkt für ihre eigene Recherchereise nutzen, indem sie neue Blickwinkel einnehmen und sich an der Entstehung eines neuen Settings beteiligen. Alle sind eingeladen, ihre eigenen Wege und Zugänge zu diesem neuen Paradigma in der Kunst zu finden. DYOR!

Cumulonimbus Murus approaches the DYOR exhibition concept literally, and features an essay on the history of crypto art accompanied by relevant milestones and digital artworks. The central section of the installation proposes a definition model for crypto art and highlights two of its formative themes. The section features artists and projects such as Mike Caldwell, Marcus Connor, Spells of Genesis, Cryptograffiti, Christian Langalis, Kevin Abosch and Rhea Myers.

Ostachowski’s work explores clouds both as a subject and a medium. He establishes symbolic connections between clouds and the elusive defining structures of blockchain. Having discovered NFTs and their transformative potential for society, Ostachowski shifted his previously physical art practice increasingly toward new media. He believes a basic understanding of blockchain will become crucial for a more inclusive future and focuses in his current body of work on educational works and visualisations that initiate the public in the field. Since 2018, he has experimented with crypto art and NFTs, co-authoring a position paper on crypto art in 2019 and since 2020 he has been documenting a comprehensive historical overview of blockchain-related art and milestones, gaining the nickname of a crypto art historian. 

Twitter: @MLOdotArt
Website: https://mlo.art

— Deutsch —

Das meteorologische Phänomen Cumulonimbus Murus ist gemeinhin als Wallcloud bekannt und bezeichnet einen starken Aufwind und ein kräftiges Gewitter, aus dem sich Tornados bilden können. Cumulonimbus Murus (2022) von Martin Lukas Ostachowski ist eine Multimediainstallation, die die Meilensteine der Kryptokunst anhand dieser Naturerscheinung beleuchtet. Die Installation zeichnet sorgfältig die Ursprünge nach und definiert und kontextualisiert die Bewegung, die als Katalysator für die digitale Kunst diente. 

Cumulonimbus Murus nähert sich dem DYOR-Ausstellungskonzept wortwörtlich und präsentiert einen Essay über die Geschichte der Kryptokunst, begleitet von relevanten Meilensteinen und digitalen Kunstwerken. Im Mittelpunkt der Installation stehen ein Definitionsmodell für Kryptokunst und zwei ihrer prägenden Themen. In diesem Bereich werden Künstler:innen und Projekte wie Mike Caldwell, Marcus Connor, Spells of Genesis, Cryptograffiti, Christian Langalis, Kevin Abosch und Rhea Myers vorgestellt. 

Ostachowski erforscht Wolken sowohl als Thema als auch als Medium. Er stellt symbolische Verbindungen zwischen Wolken und den schwer fassbaren Definitionsstrukturen der Blockchain her. Nachdem er NFTs und ihr transformatives Potenzial für die Gesellschaft für sich entdeckt hatte, verlagerte Ostachowski seine zuvor physische Kunstpraxis zunehmend auf neue Medien. Der Künstler ist davon überzeugt, dass ein grundlegendes Verständnis von Blockchain für eine inklusivere Zukunft von entscheidender Bedeutung sein wird, und konzentriert sich in seinem aktuellen Werk auf Bildungsarbeiten und Visualisierungen, die die Öffentlichkeit in das Thema einführen. Seit 2018 experimentiert er mit Kryptokunst und NFTs, war 2019 Mitautor eines Positionspapiers über Kryptokunst und erstellt seit 2020 einen umfassenden historischen Überblick über Kunst und Meilensteine im Zusammenhang mit Blockchain, was ihm den Spitznamen «Kryptokunsthistoriker» einbrachte.

Pepe the Frog is the memetic centre of gravity; the space invites us to dive into the many worlds of ‘feels good man’ derivatives. From simple origins, Pepe came to represent countless facets of man- and womankind, from historical happenings to fine arts derivatives, sad events or sketchy political movements, fantasy and sci-fi. There are no limits to its interpretation; the artist and collector movements decide what gains traction and what is dismissed today. This is a glimpse into a cosy green- (Pepe) and orange- (Bitcoin) pilled community, showing the Crypto Art journey of a special, countlessly drawn frog, on its way to becoming the millennial’s Mickey Mouse. The objects on display range in value from less than a pack of smokes to a decent annual salary.

This  section is accompanied by a small store for Pepe items including posters, T-shirts, caps, mugs and stickers.

Curated by Fabian Wyss (aka FWD) with the kind support of the Fake Rares community led by Fake Scrilla and Fake Annie and with Gilles Pegel (aka Netidx) on the ground. This is FWD’s second Pepe exhibition in real life and follows his crowdfunded debut FAKEBASEL from June 2022 which took place in the Parzelle403 gallery in Basel.

Twitter: @FAKERARES_XCP
Website: https://fakeraredirectory.com

With warm thanks to Bottis Kräuter Gärtnerei for plants and Seleform AG and Rainer Hitz for furniture.

— Deutsch —

Hier werden digitale und physische XCP Counterparty Exponate aus den Rare Pepe und Fake Rare Verzeichnissen, die auf der Bitcoin Blockchain leben, in einem Cypherpunk-Wohnzimmer ausgestellt. Pepe der Frosch ist hier das memetische Kraftzentrum; der Raum lädt uns ein, in die vielen Welten der «Feel-Good-Man»-Derivate einzutauchen. Von Anfang an stand Pepe für zahllose Facetten der Gesellschaft, von historischen Ereignissen bis zu Abwandlungen der bildenden Kunst, von tragischen Ereignissen bis zu missbräuchlichen politischen Bewegungen, von Fantasy bis Science-Fiction. Der Interpretation sind keine Grenzen gesetzt; was sich durchsetzt und was verworfen wird, entscheiden heute die Künstler- und Sammlerbewegungen. Die Ausstellung bietet einen Einblick in eine behagliche, grün (Pepe) und orange (Bitcoin) gefärbte Gemeinschaft und zeigt die Krypto-Kunst-Reise eines besonderen, unzählig gezeichneten Frosches, der auf dem Weg ist, die Mickey Mouse der Millennials zu werden. Die gezeigten Objekte haben einen Wert von weniger als einer Schachtel Zigaretten bis hin zu einem ansehnlichen Jahresgehalt.

Begleitet wird diese Sektion von einem eigenen kleinen Shop für Pepe-Artikel wie Poster, T-Shirts, Caps, Tassen und Sticker. 

Kuratiert von Fabian Wyss (aka FWD) mit der Unterstützung der Fake Rares Community, angeführt von Fake Scrilla und Fake Annie und mit Gilles Pegel (aka Netidx) vor Ort. Dies ist FWDs zweite Pepe-Ausstellung im physischen Leben und folgt auf sein Crowdfunding-Debüt FAKEBASEL vom Juni 2022, das in der Galerie Parzelle403 in Basel stattfand.

Mit herzlichem Dank an Bottis Kräuter Gärtnerei für die Pflanzen und Seleform AG und Rainer Hitz für die Möbel.

Let this guide clarify some of the jargon. Inspired by collectible Garbage Pail Kids trading cards – arguably one of the historical antecedents of NFTs – it offers a quick run-down of all the terms you’ll need in order to Do Your Own Research with confidence. Fear, Uncertainty, and Doubt no more. 

Illustrations by Moxarra Gonzales – a contETHporary artist from México. 

Text by Adina Glickstein, including selections originally published in Spike Art Magazine #70: Web3 and new terms defined exclusively for this exhibition. Adina Glickstein is a writer, editor, and technology researcher. Editor at Large for Spike Art Magazine, driving projects that emphasize emerging technology within the arts context. Glickstein is currently based in Berlin.

A collaboration with Spike Art Magazine

In late November, the glossary was minted and released as part of the NFT edition program by Kunsthalle Zürich. Visit the secondary market to collect your favourite words.

Twitter:
@Moxarra
@spike_art

Websites:
https://adinaglickstein.com
https://spikeartmagazine.com

— Deutsch —

Ganz gleich, ob Sie ein alter Hase oder ein Neuling, ein eingefleischter Krypto-Kenner oder ein überzeugter Nicht-Kenner sind, Sie haben wahrscheinlich bemerkt, dass diese Welt über ein ganz eigenes Vokabular verfügt. Dieser Leitfaden soll einige dieser Begriffe klären. Inspiriert von den Sammelkarten der Garbage Pail Kids – zweifellos einer der historischen Vorläufer der NFTs – bietet das Glossary Ihnen einen schnellen Überblick über alle Begriffe, die Sie benötigen, um Ihre eigenen Recherchen selbstbewusst durchführen zu können. Keine Angst, keine Ungewissheit, keine Zweifel mehr. 

Illustrationen von Moxarra Gonzales – einem contETHporary Künstler aus Mexiko. 

Text von Adina Glickstein, mit Auszügen, die im Original im Spike Art Magazine #70: Web3 veröffentlicht wurden und neuen Begriffen, die exklusiv für diese Ausstellung definiert wurden. 

Adina Glickstein ist Autorin, Redakteurin und Technologieforscherin. Als Editor at Large für das Spike Art Magazine treibt sie Projekte voran, die sich mit neuen Technologien im Kunstkontext befassen. Glickstein lebt derzeit in Berlin.

Eine Kollaboration mit Spike Art Magazine 

Ende November wurde das Glossar gemintet und im Rahmen des NFT-Editionsprogramms der Kunsthalle Zürich veröffentlicht. Besuchen Sie den Sekundärmarkt, um Ihre Lieblingsbegriffe zu sammeln.

The meaning of this is that beyond the smart contract, what constitutes an NFT is the community that has sprung up around the practice, which unites the creators and collectors way beyond the notion of buying and selling digital art. The essence of this is that people from all walks of life have banded together to help and support each other without expectations of gaining something in return. A humanistic approach beyond the quid pro quo and zero sum approaches that have overtaken every aspect of social and commercial interaction in the traditional art world. In addition, the distance between creators and buyers has conflated and a new model of discourse has arisen (in places like Discord) further aligning these groups. Yet it’s not all daisies and roses in the NFT flower patch, and Schachter has gone as far as revising his NFTism tattoo to read ‘Post NFTism’ which he describes as how the crypto and collectible art arena quickly and ruthlessly devolved into a free-for-all cash grab characterised by greed and scams. Schachter’s installation highlights the ups, downs and sideways vicissitudes this rollercoaster ride has been in the few short years since its conception, and what might be next. Despite the setbacks and downturns Schachter has not lost hope and enthusiasm.

Kenny Schachter has been curating contemporary art shows in museums and galleries while teaching art history and economics between Switzerland and the United States for more than thirty years. Schachter has a column on Artnet.com and contributes to various international publications, including the New York Magazine and The Times Magazine (UK). After making digital art for decades, Schachter spearheaded the traditional art world’s adaptation of Non Fungible Tokens in 2020-1 by lecturing at Yale and the Hirschhorn Museum and writing 12 feature articles on the subject.

In 2021, he curated wide-ranging NFTism exhibitions (a term he trademarked) at Nagel Draxler in Cologne, had a show with Eva Beresin at Galerie Charim in Vienna (May 2021) and participated in Art Basel 2021 (Basel and Miami). In addition, Schachter inaugurated the first one-person exhibit in Nagel Draxler’s Crypto Kiosk Gallery in Berlin between January and March 2022. Schachter lives in New York.

Twitter: @kennyschac
Website: https://kennyschachter.art

— Deutsch —

Kenny Schachter, Künstler, Kurator und Autor, fördert das Konzept der NFTs durch den von ihm geprägten Begriff des «NFTism» in seiner Kunst, in seinen Texten, in Ausstellungen, auf Messen und in einem sozialen Token, der im Dezember 2021 auf SushiSwap veröffentlicht wurde. Dabei geht es nicht nur um den Smart Contract, sondern vielmehr um die Gemeinschaft, die sich um diese Praxis gebildet hat und die Schöpfer und Sammler über das Konzept des Kaufs und Verkaufs digitaler Kunst hinaus miteinander verbindet. Menschen aus allen Gesellschaftsschichten haben sich zusammengeschlossen, um sich gegenseitig zu unterstützen und zu fördern, ohne eine Gegenleistung zu erwarten. Ein humanistischer Ansatz jenseits von quid pro quo und Nullsummenkonzepten, die alle Aspekte der sozialen und kommerziellen Interaktion in der traditionellen Kunstwelt eingenommen haben. Darüber hinaus hat sich die Distanz zwischen Kunstschaffenden und Käufern verringert: ein neues Diskursmodell ist entstanden (z.B. auf Discord), das diese beiden Gruppen aneinander noch weiter angleicht. Doch es ist nicht alles rosig im NFT-Universum, und Schachter ist sogar so weit gegangen, sein NFTism-Tattoo in «Post NFTism» umzubenennen, womit er zum Ausdruck bringt, wie sich die Krypto- und Sammlerkunst-Arena schnell und rücksichtslos in eine von Gier und Betrug geprägte Geldschneiderei verwandelt hat. 

Schachters Installation beleuchtet die Höhen, Tiefen und Seitwärtsbewegungen, die diese Achterbahnfahrt in den wenigen Jahren seit ihrer Entstehung durchlaufen hat, und zeigt, was möglicherweise als Nächstes kommt. Ungeachtet der Rückschläge und Abwärtsbewegungen hat Schachter weder Hoffnung noch Enthusiasmus verloren. 

Kenny Schachter kuratiert seit mehr als dreissig Jahren zeitgenössische Kunstausstellungen in Museen und Galerien und unterrichtet Kunstgeschichte und Wirtschaftswissenschaften in der Schweiz und in den Vereinigten Staaten. Schachter hat eine Kolumne auf Artnet.com und schreibt für verschiedene internationale Publikationen, darunter das New York Magazine und The Times Magazine (UK). Nachdem er jahrzehntelang digitale Kunst geschaffen hatte, führte Schachter 2020-21 die traditionelle Kunstwelt bei der Adaption von Non-Fungible-Tokens an, indem er Vorträge in Yale und im Hirschhorn Museum hielt und 12 Artikel zu diesem Thema veröffentlichte. 

Im Jahr 2021 kuratierte er umfangreiche NFTism-Ausstellungen (ein von ihm geschützter Begriff) bei Nagel Draxler in Köln, hatte eine Ausstellung mit Eva Beresin in der Galerie Charim in Wien (Mai 2021) und nahm an der Art Basel 2021 (Basel und Miami) teil. Zwischen Januar und März 2022 eröffnete er zudem die erste Einzelausstellung in der Galerie Crypto Kiosk von Nagel Draxler in Berlin. Schachter lebt in New York. 

The sudden development of the NFT market is closely linked to the Covid crisis, which gave digital exhibition formats and marketplaces preeminence in times of physical isolation. Over the past two years it has become very clear that while physical works can be presented digitally, digital spaces, whether two or three-dimensional, are not their natural habitat. As a rule key characteristics, such as texture or materiality, are lost in translation. The situation is quite different for native digital works. These were developed employing hardware and software and visualized on a monitor already throughout the creation process, so are here in their native environment.

Nevertheless the presentation of digital work, in particular sculptural works, in physical space brings about significant challenges. On a digital display they remain flat, while often they cannot be brought into the physical space without many of their characteristics being lost, such as movement or overcoming gravity. In this respect spatial technologies such as virtual reality offer advantages by making it possible to experience digital spaces in an immersive manner. Virtual reality architecture seems to be the logical environment for digital art, particularly three-dimensional art.

In this context the physical DYOR exhibition space has been complemented with a digital space. Created by Manuel Rossner, the space shows natively digital and largely sculptural  works by nine artists and duos: Banz & Bowinkel, Jan Robert Leegte, Kim Asendorf, Lorna Mills, Manuel Rossner, Maxim Zhestkov, Moxarra Gonzales, Nancy Baker Cahill und Rafaël Rozendaal.

Visitors may now ask why we did not locate this part of the exhibition directly in the metaverse. The answer is simple: because the metaverse has not yet advanced enough to enable a good enough visual display and experience of many artworks. Additionally, experiencing the metaverse generally takes place via a screen and is thus not immersive.

Manuel Rossner (*1989) is an artist working with technology. Since 2012, Rossner has been designing digital spaces and virtual worlds in which he investigates the effects of technological developments on society and art. He builds interactive architecture with digital materials that are spatial interventions and virtual extensions. Rossner’s work has been exhibited worldwide, including at the Grand Palais Éphémère (Paris), the NTT InterCommunication Center (Tokyo), the Hamburger Kunsthalle, the Frankfurter Kunstverein, and the Staatliche Kunsthalle Baden-Baden. Rossner lives in Berlin.

Twitter: @RossnerManuel
Website: https://manuelrossner.com

— Deutsch —

Für DYOR wurde der physische Ausstellungsraum um einen digitalen Raum erweitert. Dieser ist ein Abbild der Räumlichkeiten des dritten Stocks der Kunsthalle Zürich und des Dachs des Löwenbräukunst Gebäudes. Zunächst nur über ein VR-Headset (Virtual Reality) innerhalb der Ausstellung zugänglich, ist der digitale Raum seit dem 8. Oktober 2023 auch weltweit verfügbar – via Web, Mobile oder VR.

Die sprunghafte Entwicklung des Marktes von NFTs geht eng einher mit der COVID- Krise, die digitalen Ausstellungsformaten und Marktplätzen in Zeiten physischer Isolation eine Vormachtstellung verschafft hat. Die letzten beiden Jahre haben deutlich gezeigt, dass sich physisch Arbeiten zwar digital präsentieren lassen, digitale Räume – egal ob zwei- oder dreidimensional – aber nicht deren natürliches Habitat sind und in der Regel zentrale Charakteristika (wie z.B. Textur und Materialität) verloren gehen. Ganz anders verhält sich dies bei nativ digitalen Arbeiten. Entwickelt mit Hilfe von Hard- und Software und bereits im Kreationsprozess visualisiert mit Hilfe eines Monitors, sind diese hier in ihrem heimischen Umfeld. Zugleich unterliegt die Präsentation digitaler Arbeiten – vor allem skulpturaler Werke – in physischen Räumen ebenfalls grossen Herausforderungen. Auf dem Monitor bleiben diese flach und in den Raum kann man sie oftmals nicht bringen, ohne dass auch hier zahlreiche Charakteristika verloren gehen – wie z.B. Bewegung und die Überwindung der Schwerkraft. Hier bieten räumliche Technologien wie Virtual Reality grosse Vorteile, indem sie digitale Räume auf eine immersive Art und Weise erlebbar machen. Virtual-Reality-Architekturen scheinen die logische Umgebung für digitale Kunst, insbesondere für dreidimensionale Kunst, zu sein.

Vor diesem Hintergrund wurde der physische Ausstellungsraum um einen digitalen Raum erweitert. Entwickelt von Manuel Rossner präsentieren sich in diesem nativ digitale, oftmals skulpturale Arbeiten von neun Künstler:innen und Duos: Banz & Bowinkel, Jan Robert Leegte, Kim Asendorf, Lorna Mills, Manuel Rossner, Maxim Zhestkov, Moxarra Gonzales, Nancy Baker Cahill und Rafaël Rozendaal.

Jetzt werden sich viele fragen, warum wir diesen nicht gleich im Metaverse platziert haben. Die Antwort lautet ganz einfach, weil das Metaverse noch nicht so weit ist, eine ausreichende visuelle Qualität und Erlebnis vieler Kunstwerke zu ermöglichen. Zudem erfolgt der Besuch des Metaverse in der Regel auf dem Bildschirm und ist damit nicht immersiv.

Manuel Rossner (*1989) ist ein deutscher Künstler, der seit 2012 digitale Räume und virtuelle Welten kreiert. In seiner Arbeit untersucht er, wie Gesellschaft und Kunst durch den technologischen Fortschritt beeinflusst werden. Ähnlich wie ein Bildhauer verwendet er “das Digitale” als Material, um die Parallelen und Gegensätze zwischen der physischen und der digitalen Welt herauszuarbeiten. Er baut interaktive Architektur mit digitalen Materialien, die räumliche Interventionen und virtuelle Erweiterungen sind. Rossners Arbeiten wurden weltweit ausgestellt, darunter im Grand Palais Éphémère (Paris), im NTT InterCommunication Center (Tokio), in der Hamburger Kunsthalle, im Frankfurter Kunstverein und in der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden. Rossner lebt in Berlin.

Once per day, at a random time either determined by an algorithm or through a paid option on the website, the current state of the pie will be frozen and subsequently minted as an NFT and sold on objkt.com. The profits from the sale will be shared among the creators of the pie minted and A Slice of the Pie. Every 24 hours the whole process starts again, resulting in more than 100 pies created during the exhibition, even while the physical exhibition space is closed to the public.

A Slice of the Pie derives from the artists’ ongoing reflection on gatekeeping in the art world and the monetisation of access to it. Focussing on the crypto scene, the artwork updates these themes, which Lorusso and Schmieg first explored in Projected Capital (2018). A Slice of the Pie allows both cooperation and competition, both consensual decision-making and winner-takes-it-all resolutions. The art project is inspired by the dry language of financial charts and dashboards as well as the cutthroat design of ‘battle royale’ games. Launching in a time of backlash towards crypto, A Slice of the Pie puts its promises of participation to the test.

Silvio Lorusso is a writer, artist and designer based in Rotterdam, the Netherlands. In 2018 he published his first book entitled Entreprecariat. He is an assistant professor and vice-director of the Centre for Other Worlds at the Lusófona University in Lisbon. Lorusso holds a Ph.D. in Design Sciences from the Iuav University of Venice.

Twitter: @silvio_lorusso
Website: https://silviolorusso.com

Sebastian Schmieg investigates the algorithmic circulation of images, texts and bodies. He creates playful interventions that penetrate the shiny surfaces of our networked society and explore the realities that lie behind them. In particular Schmieg focuses on labour, algorithmic management and artificial intelligence. He works in a wide range of media including video, website, installation, artist’s book, custom software, lecture performance and delivery service.

Twitter: @s_schmieg
Website: https://sebastianschmieg.com

With warm thanks to Homburger for legal support.

— Deutsch —

Während der Dauer der Ausstellung DYOR wird auf einer 16 Quadratmeter grossen LED-Wand eine kreisförmige, kuchenähnliche Form dargestellt, die in sechs Scheiben aufgeteilt ist. Auf einer eigens dafür kreierten Website (a-slice-of-the-pie.live) wird die Pie 24/7 per Livestream übertragen. Über die Website können Künstler eine oder mehrere Stücke kaufen und sie mit ihren eigenen Kunstwerken füllen, wodurch sie zu vollwertigen Teilnehmern der Ausstellung werden. Um das Aussehen des gesamten Pies zu bestimmen, müssen sie zusammenarbeiten, miteinander konkurrieren oder sich beeilen – oder sie überlassen die endgültige Zusammensetzung einfach dem Zufall.

Einmal am Tag, zu einem beliebigen Zeitpunkt, der entweder durch einen Algorithmus oder durch eine kostenpflichtige Option auf der Website bestimmt wird, wird der aktuelle Zustand des Pies eingefroren und dann als NFT geprägt und auf objkt.com verkauft. Der Gewinn aus dem Verkauf wird unter den Schöpfern des geminteten Pies und A Slice of the Pie aufgeteilt. Alle 24 Stunden beginnt der Prozess von neuem, so dass im Laufe der Ausstellung mehr als 100 Pies entstehen. Selbst dann, wenn der physische Ausstellungsraum für die Öffentlichkeit geschlossen ist.

A Slice of the Pie ist das Ergebnis einer kontinuierlichen Reflexion der Künstler über das Gatekeeping in der Kunstwelt und die Monetarisierung des Zugangs zu dieser. Mit dem Fokus auf die Krypto-Szene aktualisiert das Kunstwerk diese Themen, die Lorusso und Schmieg erstmals in Projected Capital (2018) untersucht haben. A Slice of the Pie ermöglicht sowohl Kooperation als auch Wettbewerb, sowohl einvernehmliche als auch «Winner-takes-it-all»-Entscheidungen. Das Kunstprojekt ist inspiriert von der nüchternen Sprache der Finanzdiagramme und Dashboards sowie dem halsbrecherischen Design von «Battle Royale»-Spielen. A Slice of the Pie wird in einer Zeit lanciert, in der Kryptowährungen auf Ablehnung und Kritik stossen, und stellt das Versprechen der Beteiligung auf die Probe.

Silvio Lorusso ist Schriftsteller, Künstler und Designer und lebt in Rotterdam, Niederlande. Im Jahr 2018 veröffentlichte er sein erstes Buch mit dem Titel Entreprecariat. Er ist Assistenzprofessor und stellvertretender Direktor des Zentrums für andere Welten an der Universität Lusófona in Lissabon. Lorusso hat einen Doktortitel in Designwissenschaften von der Universität Iuav in Venedig. Lorusso lebt in Rotterdam.Sebastian Schmieg erforscht die algorithmische Zirkulation von Bildern, Texten und Körpern. Er schafft spielerische Interventionen, die die glänzenden Oberflächen unserer vernetzten Gesellschaft durchdringen und die dahinter liegenden Realitäten erkunden. Schmieg beschäftigt sich insbesondere mit Arbeit, algorithmischem Management und künstlicher Intelligenz. Er arbeitet in einem breiten Spektrum von Medien, darunter Video, Website, Installation, Künstlerbuch, massgeschneiderte Software, Lecture Performance und Lieferservice. Schmieg lebt in Berlin. 

Mit herzlichem Dank an Homburger für rechtliche Beratung.

Body Circles (2022)
Zach Lieberman
16.12.2022 – 15.01.2023

Body Circles is an open edition of still images from an interactive artwork by Zach Lieberman in collaboration with playrecordmint for the exhibition DYOR at Kunsthalle Zürich. Points of participants bodies are connected by dynamic and evolving circles and curves. 

Minted works (NFTs) can be found on objkt.com

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COMPOSE (2022) 
Sasha Stiles & Nathaniel Stern
11.11.2022 – 15.12.2022

COMPOSE is an open edition of unique poetry broadsides based on an interactive ‘pose poem’ by Sasha Stiles and Nathaniel Stern, in collaboration with playrecordmint, for the exhibition DYOR at Kunsthalle Zürich. 

The series utilises a combination of interactive and minting technology to leverage blockchain as a bespoke printing press, nodding to the historical advent of moveable type and printed literature while looking ahead to the future of authorship, readership and publishing. At its centre is a poem written by Technelegy – Stiles’ AI-powered alter ego, a custom text generator rooted in GPT-3 and fine-tuned on her own writing and reference materials. Visitors are invited to engage with words on screen via code written by Stern, resulting in a uniquely personal, one of a kind interpretation of the poem that draws visual and conceptual elements from both Stiles’ and Stern’s work. 

Minted works (NFTs) can be found on objkt.com

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Haystacks (2022)
Leander Herzog
6.10.2022 – 10.11.2022

Haystacks is an open edition of still images from a constantly evolving, interactive artwork by Leander Herzog.

Data from a computer vision system is drawn onto the digital canvas, generating a dense composition that reflects the patterns of visitors’ movements. Haystacks creates a visual manifestation of the audience – the bodies – that pass physically in front of the interactive work. The marks then dissolve into a painterly surface texture enabled by the medium’s pixellation. The direct transfer of motion to marks on a surface is inspired by Rudolf Stingel’s works with metallic Celotex insulation panels: by inviting viewers to make their own marks on the surfaces, he removes artistic privilege from the individual and hands it over to the collective. 

Minted works (NFTs) can be found on objkt.com

Project and technical platform by playrecordmint.xyz and off.pink studio llc, Switzerland
Realised with the kind support of TZ Connect

— Deutsch —

playrecordmint ist ein Bildschirm- und Sensor-Setup, der es Künstler:innen ermöglicht, das Publikum vor Ort einzuladen, animierte Sequenzen oder Standbilder innerhalb eines Kunstwerks mitzugestalten, die dann als NFT gemintet werden können. playrecordmint arbeitet mit Künstlerinnen und Künstlern zusammen, um interaktive Experimente anzubieten, die eine Brücke zwischen physisch verkörperter Interaktion und der Erschaffung digitaler Artefakte auf der Blockchain schlagen. 

Für die DYOR-Ausstellung kollaboriert playrecordmint mit drei Künstler:innen, die jeweils für ca. fünf Wochen ihre Arbeiten präsentieren, und bietet den Besuchern damit ein neuartiges Spielfeld für die Mitgestaltung von NFTs. Die aktuell gezeigte Arbeit ist Body Circles von Zach Lieberman.

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Body Circles (2022)
Zach Lieberman
16.12.2022 – 15.01.2023

Body Circles ist eine offene Edition von Momentaufnahmen eines interaktiven Kunstwerks von Zach Lieberma in Zusammenarbeit mit playrecordmint für die Ausstellung DYOR in der Kunsthalle Zürich. Einzelne Punkte der Körper mit der Arbeit interagierender Personen werden durch dynamische und sich entwickelnde Kreise und Kurven verbunden.

Gemintete Arbeiten (NFTs) sind auf objkt.com zu finden.

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COMPOSE (2022)
Sasha Stiles & Nathaniel Stern
11.11.2022 – 15.12.2022

COMPOSE (2022) ist eine offene Edition einzigartiger Gedichtseiten, die auf einem interaktiven <<Pose Poem>> von Sasha Stiles und Nathaniel Stern in Zusammenarbeit mit playrecordmint für die Ausstellung DYOR in der Kunsthalle Zürich basiert.

Die Serie nutzt eine Kombination aus interaktiver und Minting-Technologie, um die Blockchain als massgeschneiderte Druckmaschine zu nutzen. Dabei wird auf die historischen Anfänge von beweglichen Lettern und gedruckter Literatur angespielt und gleichzeitig ein Blick in die Zukunft von Autorschaft, Leserschaft und Veröffentlichung geworfen. Im Mittelpunkt steht ein Gedicht, das von Technelegy geschrieben wurde – Stiles’ KI-gesteuertem Alter Ego, einem massgeschneiderten Textgenerator, der auf GPT-3 basiert und mit ihren eigenen Schriften und Referenzmaterialien verfeinert wurde. Die Besucher sind eingeladen, über einen von Stern geschriebenen Code mit den Wörtern auf dem Bildschirm zu interagieren. Das Ergebnis ist eine ganz persönliche, einzigartige Interpretation des Gedichts, die visuelle und konzeptionelle Elemente sowohl aus Stiles als auch aus Sterns Arbeit aufgreift.

Gemintete Arbeiten (NFTs) sind auf objkt.com zu finden.

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Haystacks (2022)
Leander Herzog
6.10.2022 – 10.11.2022

Haystacks ist eine offene Edition von Standbildern eines sich ständig weiterentwickelnden, interaktiven Kunstwerks von Leander Herzog.

Daten aus einem Computer-Bildverarbeitungssystem werden auf die digitale Leinwand gezeichnet und erzeugen eine dichte Komposition, die die Bewegungsmuster der Ausstellungsbesucher widerspiegelt. Haystacks schafft eine visuelle Manifestation des Publikums – der Körper, die sich vor dem interaktiven Werk bewegen. Die Zeichen lösen sich dann in eine malerische Oberflächentextur auf, die durch die Verpixelung des Mediums ermöglicht wird. Die direkte Übertragung von Bewegung in Zeichen auf einer Oberfläche ist von Rudolf Stingels Arbeiten mit metallischen Celotex-Dämmplatten inspiriert: Indem er das Publikum einlädt, seine eigenen Zeichen auf den Oberflächen zu hinterlassen, entzieht er dem Einzelnen das künstlerische Privileg und übergibt es dem Kollektiv. 

Gemintete Arbeiten (NFTs) sind auf objkt.com zu finden.

Projekt und technische Plattform von playrecordmint.xyz und off.pink studio, Schweiz 
Realisiert mit der freundlichen Unterstützung von TZ Connect 

Andreas Gysin (aka ertdfgcvb) is a designer and artist based in Lugano, Switzerland.  Research, experimentation, analysis and discovery are the fundaments of his creative process for both artistic and commercial projects. He often works as a duo with Sidi Vanetti. 

Twitter: @andreasgysin
Website: https://ertdfgcvb.xyz

— Deutsch —

Andreas Gysin hat das Logo für DYOR entworfen. In der Ausstellung kann das Logo von den Besuchern als POAP (Proof of Attendance Protocol) gesammelt werden. 

Dieses POAP ist ein Geschenk der Kunsthalle Zürich an unsere Ausstellungsbesucher, um eine gemeinsame Erinnerung zu feiern – Ihren Besuch von DYOR. Ein POAP ist eine neue Art, eine Lebenserfahrung auf sichere Art festzuhalten. Jedes Mal, wenn sie an einer Veranstaltung teilnehmen, erhalten die POAP-Sammler einen einzigartigen Nachweis, der mit einem kryptografischen Datensatz versehen ist. Bei diesen Abzeichen handelt es sich um Non-Fungible-Tokens (NFTs). 

Andreas Gysin (alias ertdfgcvb) ist Designer und Künstler wohnhaft in Lugano. Forschung, Experimentieren, Analyse und Entdeckung sind die Grundlagen seines kreativen Prozesses sowohl für künstlerische als auch für kommerzielle Projekte. Er arbeitet oft im Duo mit Sidi Vanetti. 

LCD 1 is hardware and software as entity. It runs a generative program to create animated text (ASCII/ANSI) compositions, shown on a monochrome display with a strong object character.

LCD 1 is based on Gysin’s series Terminals. Terminals are 9 studies of 32×32 character compositions in motion. Movement and procedural patterns are enhanced through the use of gradients or solid colors. Perfect loops, optimized for smaller 9:16 displays. LCD 1 runs the next version of the Terminals code optimised and adapted for monochrome and embedded systems.

LCD 1, 2022
Custom software and hardware, LCD, rechargeable battery
71 x 71 x 13 mm
Edition: 32 + 1 SE + 8 AP (including NFT). Each edition number is permanently fused into the hardware.

Andreas Gysin (aka ertdfgcvb) is a designer and artist based in Lugano, Switzerland.  Research, experimentation, analysis and discovery are fundamental to his creative process for both artistic and commercial projects. He often works as a duo with Sidi Vanetti. Gysin also created the logo for the exhibition DYOR.

> More: http://lcd.ertdfgcvb.xyz

— Deutsch —

Kuratiert von Nina Roehrs lanciert die Kunsthalle Zürich ein NFT Editionsprogramm, das sich zum Ziel gesetzt hat, die vielfältigen Möglichkeiten von NFT für die Kunst aufzuzeigen. Den Anfang machte am 25. November 2022 Andreas Gysin’s Werk LCD 1.

LCD 1 ist Hardware und Software als Einheit. Es führt ein generatives Programm zur Erstellung von animierten Textkompositionen (ASCII/ANSI) aus, die auf einem monochromen Display mit starkem Objektcharakter gezeigt werden.

LCD 1 basiert auf der Serie Terminals von Gysin. Terminals sind 9 Studien von 32×32 Zeichenkompositionen in Bewegung. Bewegung und prozedurale Muster werden durch die Verwendung von Farbverläufen oder Volltonfarben verstärkt. Perfekte Schleifen, optimiert für kleinere 9:16-Displays. LCD 1 zeigt die nächste Version des Terminals-Codes, die für monochrome und Embedded-Systeme optimiert und angepasst wurde.

LCD 1, 2022
Custom Software und Hardware, LCD, wiederaufladbare Batterie
71 x 71 x 13 mm
Edition: 32 + 1 SE + 8 AP (inklusive NFT). Jede Editionsnummer ist dauerhaft mit der Hardware verschmolzen.

Andreas Gysin (alias ertdfgcvb) ist Designer und Künstler wohnhaft in Lugano. Forschung, Experimentieren, Analyse und Entdeckung sind die Grundlagen seines kreativen Prozesses sowohl für künstlerische als auch für kommerzielle Projekte. Er arbeitet oft im Duo mit Sidi Vanetti. Gysin hat auch das Logo für die aktuelle Ausstellung DYOR entworfen.

> Mehr: http://lcd.ertdfgcvb.xyz

Whether you’re an OG or a newcomer, crypto-pilled – on board – or an adamant no-coiner, you’ve probably noticed that the crypto art world has a lexicon all its own. Let this guide clarify some of the jargon. Inspired by collectible Garbage Pail Kids trading cards – arguably one of the historical antecedents of NFTs – it offers a quick run-down of all the terms you’ll need in order to Do Your Own Research with confidence. Fear, Uncertainty, and Doubt no more.

The DYOR: Crypto Glossary consists of 20 words that were published in an open edition on Nifty Gateway. For 24 hours, collectors could buy as many cards as they want, and only after that the content of each card was revealed. Driven by the desire to complete one’s collection or get hold of one’s favorite card, a secondary market for buying, selling and trading was created. And those who had collected the entire set were rewarded with a special card.

The glossary was realized as part of the exhibition DYOR at Kunsthalle Zürich.

Illustrations by Moxarra Gonzales – a contETHporary artist from México. 

Text by Adina Glickstein, writer, editor, and technology researcher. Editor at Large for  Spike Art Magazine, driving projects that emphasize emerging technology within the arts context.

A collaboration with Spike Art Magazine

— Deutsch —

Ganz gleich, ob Sie ein alter Hase oder ein Neuling, ein eingefleischter Krypto-Kenner oder ein überzeugter Nicht-Kenner sind, Sie haben wahrscheinlich bemerkt, dass diese Welt über ein ganz eigenes Vokabular verfügt. Dieser Leitfaden soll einige dieser Begriffe klären. Inspiriert von den Sammelkarten der Garbage Pail Kids – zweifellos einer der historischen Vorläufer der NFTs – bietet das Glossary Ihnen einen schnellen Überblick über alle Begriffe, die Sie benötigen, um Ihre eigenen Recherchen selbstbewusst durchführen zu können. Keine Angst, keine Ungewissheit, keine Zweifel mehr.

Das DYOR: Crypto Glossary besteht aus 20 Wörtern, die Anfang Dezember in einer offenen Ausgabe auf Nifty Gateway gedropped wurden. Für 24 Stunden konnten Sammler so viele Karten kaufen, wie sie wollten. Wobei der Inhalt der Karten erst danach enthüllt wurde. Angetrieben von dem Wunsch, die eigene Sammlung zu vervollständigen oder seine Lieblingskarten zu ergattern, entstand ein Sekundärmarkt für Kauf, Verkauf und Tausch. Und wer das gesamte Set zusammentragen konnte, wurde mit einer besonderen Karte belohnt.

Das Glossary wurde im Rahmen der Ausstellung DYOR in der Kunsthalle Zürich realisiert.

Illustrationen von Moxarra Gonzales – einem contETHporary Künstler aus Mexiko. 

Texte von Adina Glickstein, Autorin, Redakteurin und Technologieforscherin. Als Editor at Large für das Spike Art Magazine treibt sie Projekte voran, die sich mit neuen Technologien im Kunstkontext befassen.

Eine Kollaboration mit Spike Art Magazine